Arthur Simms.
Né en 1961 à Kingston, en Jamaïque, et installé aux États-Unis, Simms développe depuis plusieurs décennies une pratique sculpturale singulière fondée sur l’assemblage, l’attache et la mise sous tension de fragments industriels, d’objets domestiques et de matériaux organiques. Ses structures, souvent verticales, parfois totémiques, explorent les notions d’équilibre, de mémoire et de transformation, donnant naissance à des formes à la fois fragiles et architecturales. S’inscrivant dans l’héritage de l’assemblage d’après-guerre tout en développant un langage profondément personnel, Simms transforme des matériaux chargés d’usage et d’histoire en structures où tension, accumulation et équilibre deviennent des vecteurs de mémoire et d’expérience.
Le travail de l’artiste a été présenté dans de nombreuses manifestations internationales majeures, notamment la Biennale de Kingston (2022) et la Biennale de Venise, où il participa au pavillon inaugural de la Jamaïque en 2001 et à des projets liés à l’édition de 2019. Simms a également réalisé plusieurs installations publiques et interventions à grande échelle dans l’espace urbain, dont une sculpture flottante présentée sur le front de mer de Staten Island en 2018, une installation au Socrates Sculpture Park à New York, ainsi que plus récemment A Totem for the High Line (2024–2025).

 Lucy Fradkin.

Née aux États-Unis et basée à New York, Fradkin construit dans ses peintures et œuvres sur papier des scènes intimes où la figure humaine occupe une place centrale. Nourrie par des références allant des miniatures persanes et indiennes aux arts populaires et à la tradition de l’enseigne peinte à la main, son travail associe frontalité des figures, intensité chromatique et structures décoratives pour créer des compositions où narration et présence psychologique se déploient avec retenue.
Ses œuvres mettent souvent en scène des personnages dans des espaces domestiques condensés, où motifs, textiles et objets participent à une architecture visuelle dense. À travers ces images, Fradkin explore les relations familiales, la mémoire et les récits personnels, tout en laissant affleurer, de manière subtile, des questions d’identité, de genre et d’histoire sociale.
Le travail de l’artiste a été présenté dans de nombreuses institutions et expositions aux États-Unis, notamment au Smithsonian National Portrait Gallery à Washington, D.C., dans le cadre de l’Outwin Boochever Portrait Competition, ainsi qu’au Weatherspoon Art Museum, au Holter Museum of Art, au Bellarmine Museum of Art, au Tacoma Art Museum, au Kemper Museum of Contemporary Art, à l’Ackland Art Museum et au Art Museum of South Texas, parmi d’autres.

Luiza Gottschalk

une installation immersive de Luiza Gottschalk composée de 17 peintures, exposées sur des murs aux tons bois profonds et disposées sur un sol métallique doré et réfléchissant. Commissariée par Simon Watson, SOL ouvre le 9 avril et se tient jusqu’au 16 mai 2026.

Tel un rayon de soleil pénétrant une clairière forestière, Gottschalk explore le soleil (« sol » en portugais) en tissant des éléments issus de deux projets muséaux récents : les bois primordiaux de GLADE au Musée national de Brasília (2022) et la lumière rayonnante de SOL, présentée pour la première fois au Parque das Ruínas à Rio de Janeiro (2024).

Née à São Paulo et élevée dans la Serra da Mantiqueira, Gottschalk puise dans des souvenirs d’enfance intenses de forêts denses pour créer des compositions complexes de couleur, de texture et de sensations. Vues du point de vue d’un enfant face à des arbres gigantesques, ses paysages luxuriants intensifient les perceptions et suscitent l’émerveillement.

Dans sa publication récente Troposphere Shared – Artists Brazil China, l’autrice et historienne de l’art internationale Sarina Tang écrit : « Une première réaction face aux peintures de Luiza Gottschalk est la sensation d’une énergie en mouvement. La chorégraphie du geste dans l’acte même de peindre produit des images fluides où souvenirs, paysages et émotions semblent émerger. »